Leia mais: Oscar Niemeyer: clássicos e inéditos

Aqui seguem algumas dicas de perfis para seguir:

• MoMA (@themuseumofmodernart)

• Tate Gallery (@tategallery)

• The New Museum (@newmuseum)

• Smithsonian (@smithsonian)

• Gagosian gallery (@gagosiangallery)

• Brooklyn Museum (@brooklynmuseum)

• Museu San Francisco de Arte Moderna (@SFMOMA)

• Museum Of The City New York (@museumofcityny)

• Museu de Belas Artes de Houston (@mfahouston)

• MoCA de Massachusetts (@massmoca)

• Bass Museu de Arte (@bassmuseumofart)

• Museu do Sexo (@museumofsex)

• Los Angeles County Museum of Art (@lacma)

• Powerhouse_museum (@powerhouse_museum)

• Museu Beamish (@beamish_museum)

• Philamuseum (@philamuseum)

• Urban Arts (@urbanarts)

• Paul Kasmin Gallery (@kasmingallery)

• Faile (@faileart)

O site/blog é editado por Karina de Freitas, fundadora e diretora do site Tecnoartenews.

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]]> http://www.tecnoartenews.com/destacadas/site-organiza-melhores-perfis-do-instagram/feed/ 1 http://www.tecnoartenews.com/noticias/software-takes-command-novo-livro-de-levy-manovich/ http://www.tecnoartenews.com/noticias/software-takes-command-novo-livro-de-levy-manovich/#comments Tue, 03 Sep 2013 09:40:10 +0000 Redação http://www.tecnoartenews.com/?p=19328  Software Takes Command, novo livro de Levy Manovich, está disponível online. O autor de Linguagem dos New Media (2001) oferece a primeira descrição teórica e histórica do software para criação de mídia e seus efeitos sobre a prática. Além disso desenvolve sua própria teoria sobre o crescimento do uso da tecnologia.

Link para o livro: 

- Software Takes Command, Levy Manovich

Gusmão e Paiva exploram referências ao existencialismo na tradição filosófica, à literatura metafísica assim como ao proto-surrealismo de Alfred Jarry. O título da exposição é extraído de uma questão filosófica, proposta por William Molyneux a John Locke sobre a recuperação da visão. Um homem nascido cego, que sente a diferença entre formas, tais como uma esfera e um cubo, poderia também distingui-las pela visão caso pudesse começar a ver? O problema é comentado por Locke em seu Ensaio acerca do Entendimento Humano sobre as bases do conhecimento e dos mecanismos de cognição da mente humana.

Na primeira sala de exposição,  oito esculturas de bronze propõem alegorias sobre a natureza das imagens, ilusões óticas e fenômenos físicos. Em Coisas Redondas, uma série de objetos circulares são conectados de forma que parecem ser quadrados sob certos ângulos. Bola de tênis reproduz o movimento de uma bolinha quicando sobre o pedestal. Cavaleiro é uma imagem distorcida que também cria uma ilusão de tridimensionalidade sob determinado ponto de vista.  Uma vez que aludem com humor à linguagem científica, estes objetos revelam a natureza narrativa da ciência e da filosofia em suas tentativas de apreensão do mundo.

A segunda sala de exposição foi transformada numa grande sala de projeção com cinco filmes curtos em 16mm. Na grande tela as sequências se desenrolam em loop. Três sóis se põem entre rochedos, um homem cego devora um mamão papaia e frutos geometrizados rodopiam no ar como se fossem um sistema planetário. O ruído do projetor ⎯ os filmes não têm som ⎯ é uma lembrança permanente da materialidade das imagens.

Sobre os artistas
João Maria Gusmão (Lisboa, 1979) e Pedro Paiva (Lisboa, 1978) colaboram criando objetos, instalações e filmes em 16 e 35mm desde 2001. Já participaram de diversas Bienais, tais como: 8ª Bienal de Gwangju, Coréia do Sul, em 2010; 53ª Bienal de Veneza, 2009, na qual representaram Portugal; 6ª Bienal do  Mercosul, Brasil, em 2007; 27ª Bienal de São Paulo, Brasil, 2006. Dentre suas exposições individuais, destacam-se: em 2011, Alien Theory, no Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris; There’s nothing more to tell because this is small, as is every fecundation, no Museo Marino Marini, Florença; Tem gwef tem gwef dr rr rr no Kunsthalle Dusseldorf; em 2010 e On the Movement of the Fried Egg and Other Astronomical Bodies, na Ikon Gallery, Birmingham.

“O problema de Molyneux”
Abertura: 10 de agosto, das 14h às 17h
Exposição de 10 de agosto a 14 de setembro

Horários
Terça a sexta, das 10h às 19h
Sábados, das 10h às 18h

Galpão Fortes Vilaça
Rua James Holland, 71
Barra Funda, São Paulo | Brasil
Tel 55 11 3392 3942
curatorial@fortesvilaca.com.br

]]> http://www.tecnoartenews.com/arte-contemporanea-2/retorno-a-natureza-de-fesson-ludovic/feed/ 0 http://www.tecnoartenews.com/eventos/artista-brasileiro-expoe-serie-de-esculturas-em-alusao-ao-mundo-feminino/ http://www.tecnoartenews.com/eventos/artista-brasileiro-expoe-serie-de-esculturas-em-alusao-ao-mundo-feminino/#comments Tue, 03 Sep 2013 08:12:50 +0000 Redação http://www.tecnoartenews.com/?p=19310 Um martelo de aço gigante preso em uma caixa de vidro de 3 m de altura ocupa a Galeria 2 da Luciana Brito Galeria. Força, delicadeza, contenção. A seu lado, uma escultura de bronze que lembra uma tesoura aberta com formas marinhas nas pontas. A primeira chama-se Fotini e a segunda Venus-Delilah, ambas alusões ao universo feminino. Essas são as obras que o artista gaúcho radicado nos EUA, Saint Clair Cemin expõe em São Paulo até 17 de agosto.

O martelo foi fabricado em Pequim, onde o escultor mantém um ateliê desde 1999. Lá, é mais rápido e mais barato fazer essas coisas do que em Nova York, cidade em que Saint Clair vive desde 1978. Vive em Nova York, mas cultiva forte ligação com a Europa. Estudou na École Nationale Supérieure de Beaux-Arts, em Paris, e mantém até hoje um ateliê em um castelo na Borgonha. No verão, vai para a sua casa de praia na Grécia com a mulher e a filha. Divide-se entre quatro continentes, pois não deixa de visitar anualmente Cruz Alta, no sul do Brasil.

O martelo surpreende, encanta, provoca. Parece que Cemin foi premonitório e o fez especialmente para o Brasil. Em junho, alguma força adormecida rompeu a Caixa de Pandora e libertou todos os males. Foi martelada para todos os lados. Mas não, Fotini não é uma referência bem-humorada aos protestos violentos que varreram o país. A obra foi feita sob encomenda para o Parque de Esculturas da Frieze, em Nova York. No começo do ano, ficou exposta em um gramado próximo ao East River, em Randall’s Island Park.

Fotini é um nome próprio feminino grego que significa “aquela que nasce da luz (fos)”. A obra encerra uma dualidade: a força do martelo contrasta com a fragilidade do vidro. Levemente inclinado, o martelo está em repouso, no dramático momento anterior à ação. A dualidade também é presente em Venus-Delilah. Vênus, deusa latina do amor, nascida da espuma do mar, se contrapõe a Dalila, mulher por quem o líder judeu Sansão, o homem mais forte do mundo, se apaixona. Dalila, uma filisteia ou palestina, descobre o segredo da força de seu marido e o trai: com uma tesoura, corta os seus cabelos e o deixa a mercê de seus inimigos. As duas obras fazem parte de uma série intitulada Drama, por seu valor narrativo.

As esculturas de Saint Clair Cemin são sempre variadas, se utilizam de estilos, épocas e escolas diversas. Há humor, há comentários sobre a arte e o design, sobre o objeto e o instrumento ou ferramenta. Sem cair na armadilha do pastiche pós-modernista, ele consegue trabalhar com uma gama de figuras e materiais – bronze, ferro, madeira, mármore, resinas sintéticas –, que lhe conferem uma forma espontânea, autêntica e despojada como poucos no mundo atualmente.

Saint Clair Cemin se enturmou em Manhattan nos anos 1980. Foi um dos primeiros artistas brasileiros a fazer sucesso por lá. Viveu a efervescência do East Village e se tornou amigo de artistas seminais, como Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat e Keith Haring. Suas obras fazem parte de importantes museus como o Whitney, em Nova York, o Moca, em Los Angeles, e Inhotim, em Minas Gerais. Por investigar com rara criatividade e liberdade as possibilidades da escultura pública, ele está presente em praças, hospitais e sedes de empresas em vários países.

Aos 62 anos, o cosmopolita Saint Clair Cemin ainda não teve uma mostra retrospectiva a altura de sua importância em seu país. Outro brasileiro radicado em Nova York parece ser mais reconhecido por aqui. Trata-se de Vik Muniz. O interessante é que Muniz aponta Cemim como seu artista brasileiro preferido. “O fato de eu ter ficado mais no Brasil do que ele, me estabeleceu mais no nosso País, mas o público brasileiro merece uma exposição que mostre o tamanho e o escopo do seu trabalho”, declarou recentemente. Com a palavra os museus e instituições culturais brasileiras.

Link do texto: Revista Brasileiros

Reflexão e Prospecção: Sobre SALA DE ESPERA de Carlito Carvalhosa

Concebido no início da década de 1950 , pelo arquiteto Oscar Niemeyer , para servir de garagem ao edifício principal do complexo arquitetônico onde, de início, funcionou a Secretaria de Agricultura do Estado, o espaço – talvez despreocupado de sua função – criava um jogo feliz entre o plano térreo e aquele do mezanino e o conjunto de pilotis. Tal jogo inventava um ritmo que revia em chave moderna e original, a tradição do uso de colunatas em templos e em edifícios não consagrados.

Para animar esses elementos arquitetônicos “puros”, Niemeyer deixou que a luz do dia fluísse por janelões na parede mais alta do edifício, como uma espécie de liga, ou de fio condutor, entre a arquitetura (manifestação do homem, da cultura), e a luz (manifestação da natureza).

No entanto, como se sabe, os projetos no Brasil são de curto prazo e, assim, o edifício que havia sido concebido para servir de apoio à Secretaria, acabou por ser transformado num apêndice da imensa burocracia que assumiu aquele espaço quando, no primeiro prédio , se instalou, por anos, outra dimensão (talvez mais assustadora) da máquina do E stado: o Departamento de Trânsito. Quem se viu obrigado a percorrer o atual Anexo Original do MAC USP no período em que foi convertido em sítio da baixa burocracia, lembra-se do lugar como um espaço digno das metáforas e alegorias de Franz Kafka. Onde a fina relação entre arquitetura e luz, tão importante no projeto original? Afogada entre escrivaninhas, mesas, cadeiras, funcionários, despachantes, e cidadãos atônitos. Uma repartição pública, como a própria expressão pressupõe, corta, reparte, secciona o tempo e o espaço: Niemeyer desfigurado.

Confirmando a velha sina do provisório, também chegou a hora do DETRAN deixar o belo complexo arquitetônico do Ibirapuera cedendo o lugar, agora, para que a Universidade de São Paulo abrigasse o seu prestigioso e prestigiado Museu de Arte Contemporânea.

Em síntese: se no início o conjunto de edifícios foi destinado à agricultura – primeira base de sustentação da economia paulista –, na sequência privilegiou a circulação da riqueza. Fechando o ciclo, agora, finalmente, o continente encontra seu melhor conteúdo: o grande complexo arquitetônico passa a abrigar um acervo artístico fundamental para a compreensão da arte e da história das últimas décadas. É a hora da arte, da cultura, do lazer, a hora do edifício do antigo DETRAN estabelecer os laços com outros espaços arquitetônicos da vizinhança, também ligados à arte e à cultura (a Cinemateca Brasileira, a Fundação Bienal, o MAM o Museu Afro e outros empreendimentos). É de se esperar que, de fato, o grande complexo inaugurado em 1954, agora tenha encontrado a sua destinação última.

Como, no entanto, a reflexão sobre o devir do MAC USP em seu novo espaço não é o foco deste texto, retorno às considerações sobre o Anexo Original da nova sede do Museu e a proposta de intervenção de Carlito Carvalhosa.

Serviço:

9 MAR 2013 – 3 NOV 2013

MAC USP Nova Sede
Entrada Gratuita

Link da notícia: MAC-USP

Link da notícia: VIDA14.0

Link da notícia: Colossal